Museo Goya_el patio

 El patio del Museo Goya - Colección Ibercaja,

 en la calle Espoz y Mina de Zaragoza, 

uno de los elementos arquitectónicos más destacados del edificio.

 Se trata de un patio cuadrado renacentista del siglo XVI,

 perteneciente a la antigua casa de Jerónimo Cósida,

 construida por el maestro morisco Juan de Lanuza 

entre 1535 y 1536.

Entre sus características sobresalen

Columnas anilladas con elegantes capiteles.

Antepechos decorados con grutescos y medallones de yeso.

Un programa iconográfico ,

inspirado en la familia del emperador romano Augusto.

Un ambiente luminoso y armonioso, 

típico de los palacios renacentistas aragoneses. 

 

Museo Goya_Sala Goya

 

Museo Goya_San Ignacio de Loyola

 «San Ignacio de Loyola» 

es un óleo sobre lienzo 

realizado por Francisco de Goya hacia 1775,

 poco después de su regreso de Italia 

y en los inicios de su etapa madrileña.

La pintura fue encargada probablemente por Juan Ignacio de Ezcurra 

y permaneció en colecciones particulares durante siglos. 

Fue dada a conocer por el historiador aragonés José Camón Aznar

 y expuesta por primera vez en 1986. 

Desde 2021 se exhibe en el Museo Goya, 

enriqueciendo el recorrido dedicado a los primeros años del pintor aragonés.

La obra es importante porque muestra a un Goya joven, 

todavía influido por la pintura académica, 

pero ya capaz de crear efectos luminosos 

y una presencia psicológica 

que anticipan sus grandes retratos posteriores.

Museo Goya_La Gloria

 «La Gloria o Adoración del nombre de Dios»

Fue pintada por Francisco de Goya y Lucientes entre 1771 y 1772 

y constituye el boceto preparatorio 

para la decoración al fresco del Coreto de la Virgen de la Basílica del Pilar, 

el primer gran encargo que recibió Goya tras regresar de Italia.

La escena muestra una gran composición celestial 

formada por nubes y numerosos ángeles músicos y cantores 

que conducen la mirada hacia un triángulo luminoso en el fondo,

 símbolo de la Santísima Trinidad. 

Goya combina la teatralidad del barroco tardío romano 

con una sensibilidad rococó, 

logrando una notable profundidad espacial mediante efectos de luz y claroscuro.

En la parte inferior del lienzo 

pueden observarse varios «pentimenti» 

(cambios realizados por el artista), 

visibles gracias al paso del tiempo, 

lo que permite conocer mejor el proceso creativo del joven Goya.

Museo Goya_Autorretrato

 Se trata de un retrato juvenil realizado hacia 1775,

 cuando el artista acababa de regresar de Italia 

y comenzaba a abrirse camino en Madrid.

Este autorretrato es una de las imágenes más tempranas 

que se conservan de Goya 

y permite conocer cómo se veía a sí mismo en los inicios de su carrera. 

Contrasta con otros autorretratos posteriores, 

en los que su expresión y estilo reflejan una personalidad 

más madura y una técnica más libre.

Museo Goya_Retrato de José de Cistué y Coll

 «Retrato de José de Cistué y Coll»

es una obra de Francisco de Goya realizada en 1788 al óleo sobre lienzo.

Este cuadro pertenece a una etapa 

en la que Goya comenzaba a consolidarse

 como uno de los mejores retratistas de España. 

El retrato fue encargado con motivo del ascenso de Cistué 

a los más altos cargos del Estado

 y constituye un magnífico ejemplo del retrato oficial ilustrado. 

Además, originalmente formó parte de la galería

 de personajes ilustres de la antigua Universidad Sertoriana de Huesca. 

José de Cistué y Coll (1723-1808), natural de Estadilla (Huesca), 

fue un destacado jurista y magistrado.

 Desarrolló parte de su carrera en Guatemala y México 

y, en 1787, fue nombrado fiscal del Consejo y Cámara de Indias, 

uno de los cargos más relevantes de la administración española. 

Museo Goya_Retrato de María Luisa de Parma

 Retrato de María Luisa de Parma

Francisco de Goya y Lucientes

Óleo sobre lienzo, 1789 y hacia 1799

María Luisa de Parma, esposa de Carlos IV y reina de España, 
aparece representada de pie, 
con una elegante indumentaria de estilo imperio
 y un tocado en forma de turbante.

 La pintura es singular porque Goya la inició en 1789 
y, aproximadamente diez años después, la modificó y actualizó,
 adaptando tanto la moda como los rasgos del rostro 
para reflejar una imagen más madura de la reina.

La soberana lleva la banda blanca y malva 
de la Orden de María Luisa, 
creada por ella misma en 1792 
para distinguir a las damas de la aristocracia española. 
Los ricos bordados dorados del vestido 
están resueltos mediante una pincelada rápida y vibrante, 
característica del Goya retratista.

Museo Goya_Retrato de Carlos IV

 Esta obra está considerada por los especialistas

 como el primer retrato oficial de Carlos IV de España

realizado por Francisco de Goya. 

Fue pintada poco después de la subida al trono del monarca 

y sirvió de modelo para versiones posteriores.

Goya combina la dignidad regia con un notable naturalismo, 

alejándose de la idealización excesiva.

Estudios técnicos han revelado modificaciones en la postura del rey 

realizadas por el propio pintor durante el proceso creativo.

La pintura se exhibe junto al retrato de su esposa, María Luisa de Parma, 

reforzando el recorrido 

dedicado a los retratos goyescos de finales del siglo XVIII.

Museo Goya_Retrato de Félix de Azara

Retrato de Félix de Azara
Francisco de Goya y Lucientes, 1805
Óleo sobre lienzo, 212 × 124 cm

Goya lo retrató en 1805, 

en uno de los mejores retratos de toda su producción. 

Aparece de pie, vestido con uniforme de brigadier,

 con casaca negra y llamativos calzones amarillos. 

El pintor lo sitúa en un gabinete de estudio, 

rodeado de estanterías con aves y animales disecados, 

aludiendo a sus investigaciones científicas. 

Sobre una mesa reposan su bicornio y varios libros, 

referencia directa a sus publicaciones. 

En la mano derecha sostiene una nota con la inscripción 

«Dn. Félix de Azara, por Goya, 1805».

El rostro está modelado con extraordinaria precisión psicológica.

Las pinceladas del fondo son rápidas y sueltas, 

creando una atmósfera viva y colorista.

La composición combina el prestigio militar con el intelectual, 

reflejando el ideal ilustrado del hombre de ciencia.

Está considerado uno de los retratos más magistrales de Goya 

por su riqueza cromática y su fuerza expresiva.

Museo Goya_Retrato de Mariano Goya

 El “Retrato de Mariano Goya” 

es una obra de Francisco de Goya 

que representa a su nieto Mariano Goya y Goicoechea (1806-1874),

 hijo de Javier Goya. 

Mariano fue el único nieto varón del pintor y una figura muy querida por él.

Mariano Goya heredó parte del legado artístico y económico de su abuelo,

 aunque llevó una vida muy distinta a la del célebre pintor.

 El retrato constituye uno de los testimonios

 más entrañables de la faceta familiar de Goya.

Museo Goya_Menippos

Esta obra fue realizada hacia 1778, 

conservada en el Museo Goya de Zaragoza. 

Se trata de una copia en pequeño formato del original de Diego Velázquez 

que se encontraba en el Palacio Real de Madrid.

 Goya estudió con admiración la obra de Velázquez 

durante sus primeros años en la corte

 y realizó esta versión junto con la de Esopo.

Menipo de Gadara fue un filósofo cínico del siglo III a. C., 

conocido por su sátira mordaz y su visión crítica de la sociedad. 

Velázquez lo representó como un pensador humilde y algo irónico, 

y Goya reprodujo fielmente ese carácter.

Museo Goya_Esopo

 Fue pintada hacia 1797-1798.

 Forma pareja con el cuadro «Menipo», 

y ambas pinturas representan a dos sabios de la Antigüedad.

Esopo fue un legendario fabulista griego del siglo VI a. C., 

al que se atribuyen las célebres Fábulas de Esopo, 

relatos breves protagonizados por animales 

y destinados a transmitir enseñanzas morales.

Aunque se trata de un personaje clásico, 

Goya lo presenta con apariencia de hombre del pueblo. 

Esta humanización refleja el interés ilustrado por la sabiduría y la razón 

más que por la nobleza o el poder. 

La obra constituye un magnífico ejemplo 

de la transición de Goya hacia un lenguaje más personal y expresivo.

Museo Goya_San Agustín

Es un óleo de Francisco de Goya

Fechado hacia 1796–1799

Pertenece a la serie de los Cuatro Padres de la Iglesia Latina

Forma parte de una serie
 junto a San Ambrosio, San Gregorio Magno y San Jerónimo.

Todas ellas muestran un Goya ya plenamente personal, 
con fuerte contraste lumínico, composición sobria y
expresividad espiritual intensa.

 

Museo Goya_Cristo expiratorio

 Esta pieza fue realizada en 1804 por Felipe Abás,

 discípulo y colaborador de Goya,

 como copia del “Cristo crucificado” original de Goya (1780), 

que hoy se conserva en el Museo del Prado.

Museo Goya_La Carga de los Mamelucos

 La carga de los mamelucos 

es una de las obras más importantes 

de Francisco de Goya y Lucientes 

y forma parte del conjunto histórico 

sobre la Guerra de la Independencia española.

Fue pintada en 1814 

y representa el levantamiento popular 

del 2 de mayo de 1808 en Madrid, 

cuando la población se enfrentó a las tropas napoleónicas, 

en concreto a los mamelucos 

(caballería de origen egipcio al servicio de Francia).

Se conserva en el Museo del Prado (Madrid) 

y es considerada una de las grandes obras del romanticismo histórico 

por su manera de representar la violencia sin idealización,

 con un enfoque casi “periodístico” para su época.

Museo Goya_Desastres de la Guerra

 El Museo Goya conserva y expone ejemplares

 de esta obra fundamental de Francisco de Goya.

La serie consta de 82 estampas, realizadas aproximadamente entre 1810 y 1820,

 inspiradas en la Guerra de la Independencia Española.

 Sin embargo, Goya no se limita a documentar el conflicto: 

denuncia la violencia, la crueldad, el hambre y el sufrimiento humano, 

sin idealizar a ninguno de los bandos.

Se compone de tres grandes bloques:

La guerra: escenas de ejecuciones, torturas y combates.

El hambre de Madrid: imágenes de la hambruna de 1811–1812.

Los "caprichos enfáticos": estampas finales con un tono alegórico y crítico 

hacia la sociedad y el poder.

Una característica destacable es que Goya no publicó la serie en vida.

 Su fuerte contenido crítico hizo que permaneciera inédita hasta 1863, 

décadas después de su fallecimiento.

Estas estampas están consideradas una de las obras más influyentes 

de la historia del grabado y un precedente del fotoperiodismo de guerra

 por su mirada directa y profundamente humana sobre los conflictos bélicos.

Museo Goya_ La Tauromaquia

 La serie La Tauromaquia es una de las grandes cumbres 

de la obra gráfica de Francisco de Goya.

 Fue publicada en 1816 y está formada por 33 estampas en su edición original 

(a las que posteriormente se añadieron otras siete

 conocidas como las estampas suplementarias). 

Goya empleó principalmente las técnicas del 

aguafuerte, la aguatinta, el buril y la punta seca 

para conseguir una extraordinaria riqueza de luces y sombras.

En el Museo Goya se conserva y exhibe la colección completa 

de las cinco grandes series de grabados del artista: 

Los Caprichos, Los Desastres de la Guerra,

  La Tauromaquia, Los Disparates y Los Toros de Burdeos.

 Esto convierte al museo en una referencia internacional 

para conocer la evolución del Goya grabador.

La serie supone un paso decisivo hacia la modernidad artística.

 Aunque parte de un tema popular, 

Goya lo convierte en una profunda meditación 

sobre el coraje, el espectáculo, la muerte y la condición humana,

 anticipando una sensibilidad 

que influiría en artistas posteriores como Pablo Picasso. 

Museo Goya_Toros de Burdeos

 La serie «Los Toros de Burdeos» constituye

 la última gran obra gráfica de Francisco de Goya. 

Fue realizada entre 1824 y 1825, 

durante su exilio en la ciudad francesa de Burdeos, 

cuando el artista tenía ya 78-79 años.

 Allí descubrió la litografía, 

una técnica novedosa que le permitió trabajar 

con una libertad y espontaneidad extraordinarias.

En el Museo Goya - Colección Ibercaja se conserva la serie completa,

 siendo uno de los pocos lugares donde puede contemplarse 

junto con las demás grandes series de grabados de Goya:

Los Caprichos, Los Desastres de la Guerra, La Tauromaquia y Los Disparates.

 Las cuatro litografías son:

Diversión de España

Presenta una escena taurina popular llena de movimiento.

Goya convierte al público en un protagonista más de la acción.

El famoso americano Mariano Ceballos

Representa al célebre torero y jinete Mariano Ceballos.

Destaca por la energía del caballo y la tensión del enfrentamiento con el toro.

Bravo toro

El toro domina la composición con una fuerza casi salvaje.

El dramatismo se consigue mediante contrastes de luz y un dibujo muy libre.

Plaza partida

La más compleja de la serie.

Muestra simultáneamente distintas suertes taurinas en una plaza dividida,

 con una multitud que llena las gradas y los tendidos,

 creando una sensación de gran dinamismo.

Museo Goya_Los Caprichos

Los Caprichos es una de las obras más influyentes de Francisco de Goya. 

La serie está formada por 80 estampas

realizadas mediante aguafuerte y aguatinta, publicadas en 1799.

 En ellas, Goya combina sátira, crítica social e imaginación

 para denunciar los defectos de la sociedad española de finales del siglo XVIII.

Tras una grave enfermedad sufrida en la década de 1790,
 Goya desarrolló una visión más crítica y pesimista del ser humano. 

Los Caprichos atacó con ironía:
La superstición y la brujería.
La ignorancia y la falta de educación.
La corrupción del clero y la nobleza.
Los matrimonios por interés.
La prostitución y la hipocresía social.
La vanidad y los abusos de poder.

Aunque las escenas parecen fantásticas, 
casi todas esconden una crítica muy concreta a la sociedad de su tiempo.

La plancha nº 43, "El sueño de la razón produce monstruos",

 se ha convertido en el símbolo de toda la serie

. En ella aparece el propio Goya dormido 

mientras búhos, murciélagos y otras criaturas nocturnas lo rodean.

 

Museo Goya_legado

 El legado del Museo Goya trasciende la conservación de una colección artística.

 El museo constituye uno de los principales centros de referencia

 para conocer la evolución del arte español desde el siglo XV hasta el XX, 

con un protagonismo especial de Francisco de Goya.

Su colección permite seguir la trayectoria del artista 

a través de pinturas, dibujos y la práctica totalidad de su obra gráfica, 

mostrando su extraordinaria capacidad para transformar el arte europeo.

El museo es, además, el resultado del legado cultural de José Camón Aznar, 
cuya colección hizo posible reunir obras de grandes maestros españoles
 junto a destacados artistas aragoneses y contemporáneos. 
Gracias a esta visión, el museo ofrece un recorrido continuo 
por más de cinco siglos de historia del arte.

A este legado artístico se suma el del propio edificio renacentista 
de la antigua casa de los Pardo, 
que conserva restos arqueológicos de época romana 
y testimonios de las distintas etapas históricas de Zaragoza. 
De este modo, el Museo Goya reúne en un mismo espacio
 patrimonio artístico, arquitectónico y arqueológico, 
convirtiéndose en un referente 
para la conservación, el estudio y la difusión del patrimonio cultural.