Museo Goya_Paisajismo

En el ámbito del paisajismo (1860-1915), 

el Museo Goya reúne una selección representativa 

de algunos de los principales paisajistas españoles 

de finales del siglo XIX y comienzos del XX. 

Entre las obras más destacadas se encuentran:

Francisco Pradilla, 

Niebla de primavera en Italia (1907), 

una de las obras maestras del paisaje lírico del artista.

Paisajes de Mariano Barbasán, 

caracterizados por su luminismo y su pintura al aire libre.

Obras de Benjamín Palencia, 

que anuncian una visión moderna y sintética del paisaje castellano.

Pinturas de Emilio Sala y Pedro Kuntz y Valentini,

incorporadas para enriquecer el recorrido de finales del siglo XIX y principios del XX.

Este conjunto permite seguir la evolución del paisaje español

desde el realismo y el naturalismo de las décadas de 1860-1880

hasta las propuestas más luminosas y modernas de los años previos a 1915,

cuando el paisaje se convirtió en un género autónomo, 

centrado en la captación de la luz, la atmósfera y la identidad del territorio. 

La tercera planta del museo, dedicada al legado de Goya, 

integra estas obras dentro del recorrido por la pintura española de los siglos XIX y XX. 

 

Museo Goya_Unceta, Pradilla, Barbasán

 En la tercera planta del Museo Goya, dedicada al legado de Goya, 

destacan las obras de tres grandes pintores aragoneses

 de finales del siglo XIX y comienzos del XX: 

Marcelino de Unceta, Francisco Pradilla y Mariano Barbasán. 

Su presencia muestra cómo la huella de Goya 

continuó influyendo en generaciones posteriores.

Marcelino de Unceta

Especialista en pintura histórica, escenas militares y temas taurinos.

En el museo sobresale Dux de Venecia, 

una obra de gran riqueza cromática y detallismo, 

representativa de su interés por la historia y el ceremonial.

Francisco Pradilla
Uno de los grandes maestros de la pintura española del siglo XIX

y director del Museo Nacional del Prado.

El Museo Goya expone Nieblas de primavera, 

un paisaje de delicada atmósfera 

donde la luz y los efectos ambientales son protagonistas. 

Mariano Barbasán

Reconocido por sus paisajes y escenas rurales de gran luminosidad, 

influido por su estancia en Italia.

Entre las piezas del museo destaca Pastoras en el monte,

 una escena campestre que combina 

naturalismo, serenidad y un tratamiento magistral de la luz. 

Estas tres obras ayudan a comprender

 la evolución de la pintura aragonesa tras Goya: 

desde el historicismo de Unceta, 

pasando por el paisajismo lírico de Pradilla,

 hasta el naturalismo luminoso de Barbasán, 

mostrando la diversidad artística 

que floreció en Aragón durante el cambio de siglo. 

Museo Goya_Modernismo y Regionalismo

 En la colección del Museo Goya 

puede apreciarse la evolución de la pintura española desde el siglo XIX

 hasta las primeras décadas del XX, 

con obras representativas del Modernismo y el Regionalismo, 

dos corrientes que, aunque contemporáneas, 

respondieron a sensibilidades distintas.

El Modernismo introdujo una renovación estética

inspirada en las corrientes europeas de fin de siglo. 

Se caracteriza por el gusto por las líneas sinuosas, 

la elegancia decorativa, el simbolismo 

y una cuidada atención al color y a la atmósfera.

 

En el museo, esta sensibilidad puede apreciarse

 en algunas obras de Marceliano Santa María o Joaquín Sorolla, 

donde la luminosidad y el tratamiento de la figura 

anuncian la modernidad pictórica del cambio de siglo.

Frente a ello, el Regionalismo reivindicó las costumbres, 
paisajes, indumentarias y tradiciones propias de cada territorio
como expresión de la identidad cultural española. 

En la colección destacan obras de 

Francisco Pradilla, José Benlliure o Mariano Barbasán,

 que representan escenas populares, ambientes rurales y tipos humanos 

con un marcado interés etnográfico y un sólido realismo.

La presencia de estas tendencias en el Museo Goya 
permite comprender cómo, mientras unos artistas 
buscaban la renovación formal y el refinamiento estético, 
otros encontraban inspiración en las raíces y tradiciones locales. 
Ambas corrientes enriquecen el recorrido por la colección 
y muestran la diversidad de caminos 
que siguió la pintura española en torno a 1900.

Museo Goya_ Benjamín Palencia

 La obra de Benjamín Palencia presente en el Museo Goya es:

El almiar de Villafranca de la Sierra (Ávila), 1946

Esta pintura representa una era del pueblo abulense de Villafranca de la Sierra,

 donde Palencia pasaba largas temporadas pintando el paisaje castellano. 

La escena muestra a varios campesinos 

levantando un almiar con la paja sobrante de la trilla. 

Las figuras se funden con los tonos dorados y ocres del campo,

 mientras las montañas del fondo enmarcan la composición.

Esta pintura forma parte de la sección dedicada al legado de Goya, 

que reúne artistas de los siglos XIX y XX 

cuya obra dialoga con la modernidad iniciada por el maestro aragonés.

Museo Goya_Escuela de Madrid

 La Escuela de Madrid está representada en el Museo Goya

 mediante un conjunto de obras 

que ilustran una de las corrientes más significativas 

de la pintura española de la segunda mitad del siglo XX.

 No fue un movimiento organizado con un manifiesto común, 

sino un grupo de artistas que, desde Madrid, 

compartieron una concepción humanista de la pintura, 

basada en la observación directa de la realidad, 

la libertad creativa y el rechazo 

tanto del academicismo como de la abstracción más radical.

Entre los autores presentes en la colección destacan
  Benjamín Palencia, Álvaro Delgado, Agustín Redondela, 

José Caballero y Eduardo Vicente.

Las pinturas de Benjamín Palencia reflejan una profunda renovación del paisaje español. 

A través de una pincelada libre, una intensa luminosidad y una simplificación de las formas,

el artista transforma la naturaleza castellana en una visión poética y moderna, 

convirtiéndose en uno de los principales referentes de la Escuela de Madrid.

En la obra de Álvaro Delgado
predomina una figuración sobria y expresiva.
Sus retratos y composiciones humanas
destacan por el equilibrio entre el dibujo y el color,
así como por una intensa dimensión psicológica
que conecta con la tradición del retrato español.

Agustín Redondela aporta una pintura intimista,
caracterizada por atmósferas silenciosas y una delicada sensibilidad cromática.
Sus paisajes y escenas urbanas revelan una mirada serena hacia la realidad cotidiana.

La producción de José Caballero combina la influencia inicial del surrealismo
con una evolución hacia un lenguaje muy personal,
en el que el dibujo, el simbolismo y la experimentación formal
conviven con referencias a la tradición artística española.

Por su parte, Eduardo Vicent
representa la vertiente más narrativa de la Escuela de Madrid.
Sus escenas urbanas, personajes populares y rincones de la capital 
un valioso testimonio de la vida cotidiana española de mediados del siglo XX,
resuelto con una pincelada espontánea y una gran sensibilidad hacia la figura humana.

En conjunto, estas obras muestran cómo
 la Escuela de Madrid supo renovar la pintura figurativa española 
manteniendo vivo el legado de Goya:
 una pintura centrada en el ser humano, la observación de la realidad 
y la capacidad expresiva del color y la luz.

Museo Goya_ Guayasamín y Camón Aznar

 La presencia de Oswaldo Guayasamín en el Museo Goya 

permite establecer un interesante diálogo

 con la figura de José Camón Aznar,

 cuyo legado dio origen a la colección del museo.

  Francisco de Goya constituye el eje central del recorrido, 

y las obras de Guayasamín muestran cómo su influencia alcanzó 

también a grandes artistas iberoamericanos del siglo XX.

Guayasamín desarrolló un lenguaje pictórico de enorme fuerza expresiva,

 caracterizado por figuras de manos desmesuradas, 

rostros angustiados y una intensa carga emocional. 

Sus series más conocidas, 

La Edad de la Ira y La Ternura, 

denuncian la violencia, la injusticia y el sufrimiento humano, 

al tiempo que reivindican la dignidad, la solidaridad y el amor. 

Su pintura, de colores sobrios y formas monumentales, 

conmueve por su capacidad para transmitir sentimientos universales.

Contemplar a Guayasamín tras recorrer la obra gráfica de Goya 

invita a descubrir un mismo compromiso ético:

 ambos artistas utilizaron el arte 

para denunciar la violencia y el sufrimiento humano. 

Si Goya lo hizo en series como Los Desastres de la Guerra, 

Guayasamín lo expresó desde la realidad latinoamericana del siglo XX, 

convirtiendo el dolor y la esperanza 

en un lenguaje plástico de alcance universal.

 

Museo Goya_Beulas, Duce Vaquero

 

José Beulas

Beulas es uno de los grandes paisajistas españoles del siglo XX.

Sus obras muestran una interpretación muy personal del paisaje del Alto Aragón, 
con composiciones sobrias, amplios horizontes 
y una extraordinaria sensibilidad hacia la luz y el espacio. 
Su pintura supone un puente 
entre la tradición paisajística y una visión contemporánea de la naturaleza.

Duce Vaquero

Duce Vaquero forma parte de la colección del museo 
como representante de la creación artística aragonesa del siglo XX. 
Su obra destaca por un lenguaje plástico personal, 
con interés por la figura, la composición y el color, 
reflejando la evolución de la pintura aragonesa en la segunda mitad del siglo pasado.