IAACC Pablo Serrano_Burges, Dolores Franco, Rallo

María Pilar Burges Aznar

fue una pintora, acuarelista y docente zaragozana

 muy destacada dentro del arte aragonés del siglo XX.

Trabajó también como figurinista, escenógrafa,

 ilustradora, muralista y profesora de arte.

 Su formación pasó por la Academia de Joaquina Zamora,

 la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jorge (Barcelona)

 y la Academia de Bellas Artes de Roma, 

y llegó a doctorarse en Bellas Artes, 

siendo la primera aragonesa en obtener ese doctorado.

Dolores Franco Secorún (1921–2003)

 fue una escultora española, nacida en Zaragoza, 

muy vinculada al arte público 

y con una importante producción de escultura figurativa

 en la segunda mitad del siglo XX.

Algunas de sus obras más conocidas son:
Busto de Manuel Lorenzo Pardo (junto a la Lonja)
Monumento a Vicente Galbe y Sánchez-Plazuelos (Parque Grande)
Alegoría de la Agricultura (Parque Grande, entorno ajardinado)

 Francisco Rallo Lahoz 

 fue un importante escultor aragonés del siglo XX, 

muy vinculado a Zaragoza.

Nació en Alcañiz (Teruel) en 1924 y falleció en Zaragoza en 2007.
 Se formó en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza (1939–1945) 
y fue discípulo del escultor Félix Burriel, 
lo que marcó su sólida base técnica y su estilo figurativo clásico .

Su obra es muy reconocible en el espacio público de Zaragoza, 
donde dejó numerosas esculturas y monumentos.
 Trabajó con bronce, piedra y otros materiales, 
combinando un estilo clásico con gran realismo y atención al detalle.

Algunas de sus piezas más conocidas son:
Los Leones del Puente de Piedra (1990–1991)
El Caballito detrás de la Lonja (1991)
Niños con peces en la Plaza del Pilar
Busto de Antonio Beltrán Martínez
Monumento a Nicanor Villalta

IAACC Pablo Serrano_paisaje del subconsciente

 

IAACC Pablo Serrano_cruce de caminos

 

IAACC Pablo Serrano_Honorio García Condoy

 Honorio García Condoy (1900–1953)

fue un escultor y dibujante español, 

considerado una de las figuras más importantes 

de la escultura aragonesa del siglo XX 

junto a Pablo Gargallo y Pablo Serrano.

Trabajó sobre todo la figura humana, especialmente:
desnudos femeninos
maternidades
bustos y figuras estilizadas
También incorporó influencias de la escultura africana, ibérica y cubista, 
lo que le llevó a formas cada vez más sintéticas y casi abstractas. 

IAACC Pablo Serrano_Saura, Viola, Orús

 Estos tres nombres —Saura, Viola y Orús— 

suelen agruparse al hablar del arte aragonés contemporáneo del siglo XX, 

especialmente en torno a la abstracción, 

el expresionismo 

y las corrientes experimentales 

que conectan Aragón con la escena artística internacional.

Antonio Saura

Uno de los grandes nombres del informalismo español. 
Su obra se caracteriza por el uso intenso del blanco y negro, 
figuras humanas deformadas y una fuerte carga emocional.
Temas recurrentes: figuras humanas, “crucifixiones”, retratos psicológicos
Estilo: expresionismo gestual, gran carga dramática
Importancia: proyección internacional desde los años 50 (París)

José Luis Viola
Figura clave de la abstracción lírica española. 
Su pintura se mueve entre el gesto, el color y la materia.
Estilo: abstracción poética, uso del color y la textura
Interés: equilibrio entre espontaneidad y composición
Contexto: vinculado a la renovación artística de los 60–70 en España

José Orús
Artista aragonés muy vinculado a la abstracción geométrica y la experimentación visual.
Estilo: geometría, estructuras, orden compositivo
Lenguaje: más racional y constructivo que Saura o Viola
Aporte: desarrollo del arte contemporáneo en Aragón desde una vía más analítica

IAACC Pablo Serrano_Los olvidados

 Los olvidados es una de las películas más importantes 

del cine de autor del siglo XX 

y una obra clave del director aragonés Luis Buñuel.

Fue rodada en 1950 en México durante la etapa de Buñuel en el exilio.

Mezcla de realismo social y rasgos del surrealismo característico del director.

Ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes (1951).

Inicialmente fue polémica en México por su dureza, 

aunque luego se convirtió en una obra de referencia.

Buñuel combina un estilo casi documental 

con momentos simbólicos y oníricos, 

lo que hace que la película tenga una fuerza emocional muy singular.

Temas que aborda:

Marginalidad urbana

Determinismo social

Infancia perdida

Violencia estructural

Falta de red familiar y educativa

Museo Goya_el patio

 El patio del Museo Goya - Colección Ibercaja,

 en la calle Espoz y Mina de Zaragoza, 

uno de los elementos arquitectónicos más destacados del edificio.

 Se trata de un patio cuadrado renacentista del siglo XVI,

 perteneciente a la antigua casa de Jerónimo Cósida,

 construida por el maestro morisco Juan de Lanuza 

entre 1535 y 1536.

Entre sus características sobresalen

Columnas anilladas con elegantes capiteles.

Antepechos decorados con grutescos y medallones de yeso.

Un programa iconográfico ,

inspirado en la familia del emperador romano Augusto.

Un ambiente luminoso y armonioso, 

típico de los palacios renacentistas aragoneses. 

 

Museo Goya_Sala Goya

 

Museo Goya_San Ignacio de Loyola

 «San Ignacio de Loyola» 

es un óleo sobre lienzo 

realizado por Francisco de Goya hacia 1775,

 poco después de su regreso de Italia 

y en los inicios de su etapa madrileña.

La pintura fue encargada probablemente por Juan Ignacio de Ezcurra 

y permaneció en colecciones particulares durante siglos. 

Fue dada a conocer por el historiador aragonés José Camón Aznar

 y expuesta por primera vez en 1986. 

Desde 2021 se exhibe en el Museo Goya, 

enriqueciendo el recorrido dedicado a los primeros años del pintor aragonés.

La obra es importante porque muestra a un Goya joven, 

todavía influido por la pintura académica, 

pero ya capaz de crear efectos luminosos 

y una presencia psicológica 

que anticipan sus grandes retratos posteriores.

Museo Goya_La Gloria

 «La Gloria o Adoración del nombre de Dios»

Fue pintada por Francisco de Goya y Lucientes entre 1771 y 1772 

y constituye el boceto preparatorio 

para la decoración al fresco del Coreto de la Virgen de la Basílica del Pilar, 

el primer gran encargo que recibió Goya tras regresar de Italia.

La escena muestra una gran composición celestial 

formada por nubes y numerosos ángeles músicos y cantores 

que conducen la mirada hacia un triángulo luminoso en el fondo,

 símbolo de la Santísima Trinidad. 

Goya combina la teatralidad del barroco tardío romano 

con una sensibilidad rococó, 

logrando una notable profundidad espacial mediante efectos de luz y claroscuro.

En la parte inferior del lienzo 

pueden observarse varios «pentimenti» 

(cambios realizados por el artista), 

visibles gracias al paso del tiempo, 

lo que permite conocer mejor el proceso creativo del joven Goya.

Museo Goya_Autorretrato

 Se trata de un retrato juvenil realizado hacia 1775,

 cuando el artista acababa de regresar de Italia 

y comenzaba a abrirse camino en Madrid.

Este autorretrato es una de las imágenes más tempranas 

que se conservan de Goya 

y permite conocer cómo se veía a sí mismo en los inicios de su carrera. 

Contrasta con otros autorretratos posteriores, 

en los que su expresión y estilo reflejan una personalidad 

más madura y una técnica más libre.

Museo Goya_Retrato de José de Cistué y Coll

 «Retrato de José de Cistué y Coll»

es una obra de Francisco de Goya realizada en 1788 al óleo sobre lienzo.

Este cuadro pertenece a una etapa 

en la que Goya comenzaba a consolidarse

 como uno de los mejores retratistas de España. 

El retrato fue encargado con motivo del ascenso de Cistué 

a los más altos cargos del Estado

 y constituye un magnífico ejemplo del retrato oficial ilustrado. 

Además, originalmente formó parte de la galería

 de personajes ilustres de la antigua Universidad Sertoriana de Huesca. 

José de Cistué y Coll (1723-1808), natural de Estadilla (Huesca), 

fue un destacado jurista y magistrado.

 Desarrolló parte de su carrera en Guatemala y México 

y, en 1787, fue nombrado fiscal del Consejo y Cámara de Indias, 

uno de los cargos más relevantes de la administración española. 

Museo Goya_Retrato de María Luisa de Parma

 Retrato de María Luisa de Parma

Francisco de Goya y Lucientes

Óleo sobre lienzo, 1789 y hacia 1799

María Luisa de Parma, esposa de Carlos IV y reina de España, 
aparece representada de pie, 
con una elegante indumentaria de estilo imperio
 y un tocado en forma de turbante.

 La pintura es singular porque Goya la inició en 1789 
y, aproximadamente diez años después, la modificó y actualizó,
 adaptando tanto la moda como los rasgos del rostro 
para reflejar una imagen más madura de la reina.

La soberana lleva la banda blanca y malva 
de la Orden de María Luisa, 
creada por ella misma en 1792 
para distinguir a las damas de la aristocracia española. 
Los ricos bordados dorados del vestido 
están resueltos mediante una pincelada rápida y vibrante, 
característica del Goya retratista.

Museo Goya_Retrato de Carlos IV

 Esta obra está considerada por los especialistas

 como el primer retrato oficial de Carlos IV de España

realizado por Francisco de Goya. 

Fue pintada poco después de la subida al trono del monarca 

y sirvió de modelo para versiones posteriores.

Goya combina la dignidad regia con un notable naturalismo, 

alejándose de la idealización excesiva.

Estudios técnicos han revelado modificaciones en la postura del rey 

realizadas por el propio pintor durante el proceso creativo.

La pintura se exhibe junto al retrato de su esposa, María Luisa de Parma, 

reforzando el recorrido 

dedicado a los retratos goyescos de finales del siglo XVIII.

Museo Goya_Retrato de Félix de Azara

Retrato de Félix de Azara
Francisco de Goya y Lucientes, 1805
Óleo sobre lienzo, 212 × 124 cm

Goya lo retrató en 1805, 

en uno de los mejores retratos de toda su producción. 

Aparece de pie, vestido con uniforme de brigadier,

 con casaca negra y llamativos calzones amarillos. 

El pintor lo sitúa en un gabinete de estudio, 

rodeado de estanterías con aves y animales disecados, 

aludiendo a sus investigaciones científicas. 

Sobre una mesa reposan su bicornio y varios libros, 

referencia directa a sus publicaciones. 

En la mano derecha sostiene una nota con la inscripción 

«Dn. Félix de Azara, por Goya, 1805».

El rostro está modelado con extraordinaria precisión psicológica.

Las pinceladas del fondo son rápidas y sueltas, 

creando una atmósfera viva y colorista.

La composición combina el prestigio militar con el intelectual, 

reflejando el ideal ilustrado del hombre de ciencia.

Está considerado uno de los retratos más magistrales de Goya 

por su riqueza cromática y su fuerza expresiva.

Museo Goya_Retrato de Mariano Goya

 El “Retrato de Mariano Goya” 

es una obra de Francisco de Goya 

que representa a su nieto Mariano Goya y Goicoechea (1806-1874),

 hijo de Javier Goya. 

Mariano fue el único nieto varón del pintor y una figura muy querida por él.

Mariano Goya heredó parte del legado artístico y económico de su abuelo,

 aunque llevó una vida muy distinta a la del célebre pintor.

 El retrato constituye uno de los testimonios

 más entrañables de la faceta familiar de Goya.

Museo Goya_Menippos

Esta obra fue realizada hacia 1778, 

conservada en el Museo Goya de Zaragoza. 

Se trata de una copia en pequeño formato del original de Diego Velázquez 

que se encontraba en el Palacio Real de Madrid.

 Goya estudió con admiración la obra de Velázquez 

durante sus primeros años en la corte

 y realizó esta versión junto con la de Esopo.

Menipo de Gadara fue un filósofo cínico del siglo III a. C., 

conocido por su sátira mordaz y su visión crítica de la sociedad. 

Velázquez lo representó como un pensador humilde y algo irónico, 

y Goya reprodujo fielmente ese carácter.

Museo Goya_Esopo

 Fue pintada hacia 1797-1798.

 Forma pareja con el cuadro «Menipo», 

y ambas pinturas representan a dos sabios de la Antigüedad.

Esopo fue un legendario fabulista griego del siglo VI a. C., 

al que se atribuyen las célebres Fábulas de Esopo, 

relatos breves protagonizados por animales 

y destinados a transmitir enseñanzas morales.

Aunque se trata de un personaje clásico, 

Goya lo presenta con apariencia de hombre del pueblo. 

Esta humanización refleja el interés ilustrado por la sabiduría y la razón 

más que por la nobleza o el poder. 

La obra constituye un magnífico ejemplo 

de la transición de Goya hacia un lenguaje más personal y expresivo.

Museo Goya_San Agustín

Es un óleo de Francisco de Goya

Fechado hacia 1796–1799

Pertenece a la serie de los Cuatro Padres de la Iglesia Latina

Forma parte de una serie
 junto a San Ambrosio, San Gregorio Magno y San Jerónimo.

Todas ellas muestran un Goya ya plenamente personal, 
con fuerte contraste lumínico, composición sobria y
expresividad espiritual intensa.

 

Museo Goya_Cristo expiratorio

 Esta pieza fue realizada en 1804 por Felipe Abás,

 discípulo y colaborador de Goya,

 como copia del “Cristo crucificado” original de Goya (1780), 

que hoy se conserva en el Museo del Prado.

Museo Goya_La Carga de los Mamelucos

 La carga de los mamelucos 

es una de las obras más importantes 

de Francisco de Goya y Lucientes 

y forma parte del conjunto histórico 

sobre la Guerra de la Independencia española.

Fue pintada en 1814 

y representa el levantamiento popular 

del 2 de mayo de 1808 en Madrid, 

cuando la población se enfrentó a las tropas napoleónicas, 

en concreto a los mamelucos 

(caballería de origen egipcio al servicio de Francia).

Se conserva en el Museo del Prado (Madrid) 

y es considerada una de las grandes obras del romanticismo histórico 

por su manera de representar la violencia sin idealización,

 con un enfoque casi “periodístico” para su época.

Museo Goya_Desastres de la Guerra

 

Museo Goya_ La Tauromaquia

 

Museo Goya_Toros de Burdeos